Nota: Ver la 1ra parte para conocer el panel de los mejores guitarristas y expertos que votaron en esta lista.
4ta Parte - Del #40 al #21
#40
Tom Morello
Tom Morello reinventó la guitarra de rock para el mundo post-hip-hop en la década de 1990 con Rage Against the Machine. Apoyándose fuertemente en sus pedales de efectos, creó un nuevo vocabulario sónico: los rasguños del tocadiscos replicados en "Bulls on Parade", las explosiones funky de láser en "Killing in the Name" y el ataque de los bombarderos en picado en "Fistful of Steel". La combinación de artilugios, solos pirotécnicos y acordes estruendosos de Morello, es a partes iguales de The Stooges y Public Enemy: "The Bomb Squad fue una gran influencia para mí como guitarrista", dijo Morello, refiriéndose a la unidad de producción amante del ruido del equipo de hip-hop. "Yo era básicamente el DJ en Rage". Después de alejarse de la teatralidad de la guitarra en los últimos cinco años con su alias de folk zurdo, The Nightwatchman, Morello subió el volumen una vez más en su álbum más reciente, World Wide Rebel Songs. "Pensé que podía tocar la guitarra así", le dijo a Rolling Stone a principios de este año, "así que debía hacerlo".
Temas Claves: "Guerrilla Radio" y "Killing in the Name".
Guerrilla Radio
#39
Steve Cropper
Peter Buck ha llamado a Steve Cropper "probablemente mi guitarrista favorito de todos los tiempos". Cropper ha sido el ingrediente secreto de algunas de las mejores canciones de rock y soul: cuando era adolescente, tuvo su primer éxito ("Last Night") con The Mar-Keys; pasó la mayor parte de los años sesenta en Booker T. and the MGs, la banda de la casa Stax Records que tocaba éxitos de Carla Thomas, Otis Redding y Wilson Pickett. Desde entonces, su interpretación sobria y conmovedora ha aparecido en discos de docenas de artistas de rock y R&B, incluida una temporada en la banda The Blues Brothers. Piense en la introducción de "Soul Man" de Sam y Dave, las explosivas notas dobladas en "Green Onions" de Booker T. o los rellenos de filigrana de guitarra en "(Sittin' on) The Dock of the Bay" de Redding: todos llevan el sonido característico de Cropper, la quintaesencia de la guitarra soul. "No me importa ser el centro del escenario", dice Cropper. "Soy miembro de la banda, siempre he sido miembro de la banda".
Temas claves: "(Sittin' on) The Dock of the Bay", "Green Onions" y "Soul Man".
Green Onions
#38
The Edge
"Ya se había dicho mucho sobre la guitarra cuando Edge la recogió. Su secreto es que aprendió solo a tocar, por eso es tan único. Tiene una mente tan innovadora: cada álbum de U2 en el que he estado involucrado tenía un nuevo sonido de Edge. No hay mucho rasgueo en su forma de tocar; es en gran medida un sirviente de la melodía. Se enfoca en la interacción entre su guitarra y la voz de Bono. The Edge es un científico, y un poeta de noche; él siempre tiene una pequeña plataforma en casa. Se lleva a casa un ritmo de batería de Larry Mullen, luego vuelve al estudio a la mañana siguiente y dice: "Bono, tengo una para ti", y presenta "I Still Haven't Found What I'm Looking For", con un simple riff jank-a-jank Dublin/Bo Diddley que encabeza toda la dirección de la canción. Se dedica a tomar notas. Él y su técnico de guitarras, Dallas Schoo, documentan cada detalle de su sonido: qué pedales, qué pastilla usó, cualquier cosa que crea que podría usar. Hay un desglose alrededor de dos tercios del camino a través de "Mysterious Ways", antes de que la canción pase a la sinfonía, que, para mí, está a la altura de las mejores partes de guitarra de James Brown o una de las mejores líneas de viento interpretadas por Tower of Power. No es realmente un riff, es un momento. Me hace llorar cada vez que lo escucho."
Por Daniel Lanois.
Temas claves: "I Will Follow", "Pride (In the Name of Love)" y "The Fly".
I Will Follow
#37
Mick Taylor
"A veces me asombraba escuchar a Mick Taylor", escribió Keith Richards en sus memorias. "Todo estaba presente en su forma de tocar: el toque melódico, un hermoso sostenido y una forma de leer una canción". Taylor tenía solo 20 años cuando los Rolling Stones lo reclutaron de los Bluesbreakers de John Mayall como reemplazo de Brian Jones en 1969. Su impacto, en obras maestras como "Exile on Main Street" y "Sticky Fingers", fue inmediato. La diapositiva sucia y baja en "Love in Vain"; la asombrosa precisión de "All Down the Line" (donde su forma de tocar imita brillantemente el sonido de una armónica); la coda extendida con inflexión de jazz latino en "Can't You Hear Me Knocking": no es casualidad que la temporada de Taylor coincidiera con las grabaciones más consistentemente geniales de los Stones. "Era un músico melódico muy fluido... y me dio algo a lo que seguir, para golpear", dijo Mick Jagger sobre Taylor, quien dejó la banda en 1974. "Algunas personas piensan que es la mejor versión que existió de la banda".
Temas claves: "Can't You Hear Me Knocking" y "All Down the Line".
All Down the Line
#36
Randy Rhoads
La carrera de Randy Rhoads fue demasiado corta: murió en un accidente de avión en 1982, a la edad de 25 años, pero sus solos precisos, arquitectónicos y de hipervelocidad en "Crazy Train" y "Mr. Crowley", de Ozzy Osbourne, ayudaron a establecer el modelo para solos de guitarra de metal durante los años siguientes. "Practiqué ocho horas al día gracias a él", ha dicho Tom Morello, llamando a Rhoads "el mejor guitarrista de hard rock/heavy metal de todos los tiempos". Rhoads había cofundado Quiet Riot cuando era adolescente y se unió a la banda Blizzard of Ozz de Ozzy en 1979, después de algunos años de trabajar como profesor de guitarra; según la leyenda, Rhoads continuaría tomando lecciones de guitarra en diferentes ciudades cuando estaba de gira con Ozzy. Cuando grabó su último álbum, "Ozzy's Diary of a Madman", Rhoads estaba profundizando en la música clásica e incluso explorando el jazz. "Él estaba profundizando en sí mismo como guitarrista", dijo Nikki Sixx de Mötley Crüe. "Ese fue realmente el siguiente paso allí".
Temas claves: "Crazy Train", "Mr. Crowley" y "Diary of a Madman".
Crazy Train
#35
John Lee Hooker
"No toco mucha guitarra elegante", dijo una vez John Lee Hooker. "No quiero tocarla. El tipo de guitarra que quiero tocar son licks malos y malos". El estilo de Hooker no podía definirse como blues urbano o country: era algo totalmente propio, misterioso, funky e hipnótico. En clásicos monumentales como "Boogie Chillen", un éxito número uno de R&B en 1949, "Boom Boom" y "Crawlin' King Snake", perfeccionó un ritmo monótono y pisando fuerte, a menudo en firmas de tiempo idiosincrásicas y bloqueado en un acorde, con un poder eterno. "Era un retroceso incluso en su propio tiempo", dijo Keith Richards. "Incluso Muddy Waters era sofisticado a su lado". Hooker fue una figura fundamental en el boom del blues de los sesenta; su boogie se convirtió en la base de gran parte del sonido inicial de ZZ Top; sus canciones fueron versionadas por todos, desde los Doors hasta Bruce Springsteen; y luego, mucho después de cumplir 70 años, ganó cuatro premios Grammy en la década de 1990. "Cuando era niño", dijo Carlos Santana, "él fue el primer circo con el que quise escaparme".
Temas claves: "Boogie Chillen", "BoomBoom" y "I'm in the Mood".
Boogie Chillen
#34
Curtis Mayfield
El difunto Curtis Mayfield fue uno de los mejores cantantes, compositores y productores de soul estadounidense. También fue un guitarrista discretamente influyente cuyas melodías y rellenos suavemente fluidos, que se encuentran en discos como "Gypsy Woman" de The Impressions, dejaron un profundo impacto en Jimi Hendrix, especialmente en su balada psicodélica. "En los años sesenta, todo guitarrista quería tocar como Curtis", afirmó George Clinton. Mayfield continuó reinventando su forma de tocar para una carrera en solitario en los años setenta, construyendo su nueva música en torno a los ritmos funk parpadeantes y las partes principales sobrias, gestuales, con inflexión wah-wah que se escuchan en su banda sonora Superfly y éxitos como "Move On Up". Sus secuencias de acordes líquidos eran difíciles de imitar para otros músicos, en parte porque Mayfield tocaba casi exclusivamente en una afinación abierta de fa sostenido. “Siendo autodidacta, nunca lo cambié”, dijo. "Me enorgullecía porque no importaba lo bueno que fuera un guitarrista, cuando agarraba mi hacha no podía tocarla".
Temas claves: "Gypsy Woman", "Move On Up" y "Freddie's Dead".
Gypsy Woman
#33
Prince
Podría decirse que interpretó el mejor solo de guitarra de power-ballad de la historia ("Purple Rain"), y su solo en una interpretación estelar de "While My Guitar Gently Weeps" durante la inducción al Salón de la Fama del Rock and Roll de George Harrison en 2004, dejó boquiabiertos a todos en el piso. Pero también puede traer el funk desagradable como Jimmy Nolen y Nile Rodgers (escucha la magia del ritmo de "Kiss") o triturar como el metalero más feroz ("When Doves Cry"). A veces, su forma de tocar más popular simplemente funciona como fondo: consulte "Gett Off" y "Dance On". Prince recibe muchas comparaciones con Hendrix, pero lo ve de manera diferente: "Si realmente escucharan mis cosas, escucharían más una influencia de Santana que de Jimi Hendrix", le dijo una vez a Rolling Stone. "Hendrix tocaba más blues, Santana tocaba más bonito". Para Miles Davis, quien colaboró con The Purple One hacia el final de su vida, Prince era una combinación de "James Brown, Jimi Hendrix, Marvin Gaye... y Charlie Chaplin. ¿Cómo puedes fallar con eso?".
Temas claves: "Purple Rain", "Kiss" y "When Doves Cry".
Purple Rain
#32
Billy Gibbons
Billy Gibbons era un guitarrista a tener en cuenta mucho antes de que le creciera esa barba épica. A principios de 1968, su banda psicodélica de garaje, Moving Sidewalks, abrió cuatro espectáculos en Texas para Jimi Hendrix Experience. Según la tradición local del acidrock, Hendrix quedó tan impresionado por la facilidad y la potencia de fuego de Gibbons que le regaló al joven guitarrista una Stratocaster rosa. Desde entonces, Gibbons ha descrito con ligereza lo que toca con su trío de cuatro décadas, ZZ Top, como "nalgadas". Pero desde el musculoso boogie de "La Grange" y el retorcido y poco convencional shuffle de "Jesus Left Chicago" hasta el deslizamiento sintetizado de los éxitos de los ochenta "Legs" y "Sharp Dressed Man", el trabajo de guitarra de Gibbons ha sido religiosamente verdadero, en su forma de ataque de rayo y concisión melódica, a sus antepasados tejanos (Freddy King, Albert Collins) y la carga eléctrica-Delta de Muddy Waters. "Definitivamente puedes hacer que alguien se mueva un poco en su asiento", dice Gibbons sobre sus solos, "si sabes a dónde te diriges y terminas allí".
Temas claves: "Jesus Left Chicago" y "La Grange".
La Grange
#31
Ry Cooder
Ry Cooder una vez comparó su forma de tocar, una amalgama sublime de folk y blues estadounidense, guitarra hawaiana slack-key, el entusiasmo del grupo Tex-Mex y la real sensualidad del son afrocubano, como "una especie de dispositivo de vapor fuera de control". La vida de Cooder con la guitarra se ha distinguido por una rara mezcla de fundamentos arcaicos y pasión exploratoria, desde su surgimiento como un fenómeno de blues adolescente, con Taj Mahal y Captain Beefheart a mediados de los años sesenta, hasta sus bandas sonoras de películas de roots-and-noir, y su papel central en el nacimiento y éxito de la supercesión de La Habana de 1996, Buena Vista Social Club. Como acompañante, Cooder ha aportado verdadero valor y matices emocionales a los álbumes clásicos de Randy Newman, los Rolling Stones y Eric Clapton. Cooder también es un conservacionista conmovedor, que mantiene vivos y dinámicos pasados vitales en el mundo moderno. Un buen ejemplo: la noche en que Bob Dylan se presentó en casa de Cooder pidiendo una lección de guitarra como el bluesman Sleepy John Estes.
Temas claves: "Memo From Turner" y "Boomer's Story".
Boomer's Story
#30
Elmore James
El cantante y guitarrista nacido en Mississippi, Elmore James, tenía un lick inmortal: el riff entrecortado y descendente en su adaptación de 1951 de "I Believe I'll Dust My Broom", de Robert Johnson. "Pero fue un gran lick", dice el guitarrista de slide Derek Trucks. "Había algo desatado en su forma de tocar esa guitarra acústica con la pastilla eléctrica. Cuando está cantando, escuchas su voz a través de la pastilla eléctrica". James también anotó con chisporroteantes variaciones de ese lick en "Shake Your Moneymaker" y "Stranger Blues", que se convirtieron en estándares del boom del blues después de su muerte en 1963. El tono de James inspiró a una generación de guitarristas: "Practicaba 12 horas al día, todos los días, hasta que mis dedos sangraban, tratando de obtener el mismo sonido que obtuvo Elmore James", dijo Robbie Robertson. "Entonces alguien me dijo que juegue como en un tobogán". A Trucks le encanta especialmente el solo de James en una versión de 1960 de "Rollin' and Tumblin'": "Es realmente simple, pero cada nota está en el lugar correcto: funky y desagradable. Di 'Toca ese lick de Elmore' y todos saben qué hacer".
Temas claves: "Dust My Broom" y "The Sky Is Crying".
Dust My Broom
#29
Scotty Moore
El 5 de julio de 1954, Elvis Presley, el guitarrista Scotty Moore y el bajista Bill Black, jugaron con una versión mejorada de "That's All Right" de Arthur Crudup, durante un descanso en una sesión en Sun Records en Memphis. La guitarra nunca volvería a ser la misma: las interpretaciones concisas y agresivas de Moore mezclaron el punteo country y el fraseo del blues en un nuevo lenguaje instrumental. La interpretación fue tan contundente que es fácil olvidar que no había baterista. Si Moore hubiera hecho nada más que las 18 grabaciones de Sun, incluidas "Mystery Train" y "Good Rockin' Tonight", su lugar en la historia estaría asegurado. Pero siguió tocando con Elvis, contribuyendo con los abrasadores solos de "Heartbreak Hotel" y "Hound Dog". Y cuando Elvis quiso volver a sus raíces en el "especial de regreso" de 1968, convocó a Moore, por el sonido que ayudó a cambiar el papel de la guitarra en la música pop. "Todos los demás querían ser Elvis", dijo Keith Richards. "Yo quería ser Scotty".
Temas claves: "That's All Right", "Mystery Train" y "Heartbreak Hotel".
That's All Right
#28
Johnny Ramone
El padre de la guitarra punk-rock y una gran influencia en el metal moderno basado en riffs, Johnny Ramone es uno de los grandes antihéroes del instrumento. John Cummings se hizo famoso con una guitarra Mosrite económica, en la que martillaba acordes de cejilla descendidos a alta velocidad en un estilo cortante y minimalista que se conoció apropiadamente como "buzzsaw". Ramone, un motor de ritmo puro, casi nunca tocaba un solo, pero su forma de tocar tenía el impulso precipitado de un tren subterráneo que se aproxima. En una era en la que "pesado" era sinónimo de "lento", el swing primitivo y metronómico de sus riffs en "Blitzkrieg Bop" y "Judy Is a Punk" y el ritmo pop trampolín de "Rockaway Beach", demostraron que se podía acelerar las cosas arriba sin perder una onza de poder (algo sorprendente, su propio héroe de la guitarra era Jimmy Page). "Johnny fue el primer guitarrista que vi tocar como si estuviera realmente enojado", testificó Henry Rollins. "Y yo estaba como, 'Maldita sea. Eso es genial'".
Temas claves: "Blitzkrieg Bop", "Judy Is a Punk" y "Rockaway Beach".
Blitzkrieg Bop
#27
Bo Diddley
"Es la madre de los riffs", dice el guitarrista Johnny Marr: "el ritmo de Bo Diddley", presentado por la guitarrista de Chicago Ellas Otha Bates, también conocida como Diddley. Impulsado por su guitarra con trémolo, canciones como "Mona" y "Bo Diddley" desataron una versión superpoderosa de un ritmo de África occidental que fue transmitido por esclavos; después de Diddley, el riff sería secuestrado por todos, desde Buddy Holly hasta los Rolling Stones (que hicieron una versión de "Mona" en 1964) y, más tarde, rockeros de garaje y punks, que respondieron a su cruda simplicidad. (The Clash hizo la conexión formal cuando lo llevaron de gira en 1979; los Smiths construyeron "How Soon Is Now?" alrededor del riff). "Cualquiera que tome la guitarra podría hacerlo", dice Dan Auerbach de Black Keys. "Si pudieras mantener el ritmo, podrías interpretar a Bo Diddley". "Su estilo era escandaloso", dijo Keith Richards; sugería "que el tipo de música que amamos no solo venía de Mississippi. Venía de otro lugar".
Temas claves: "Bo Diddley", "Road Runner" y "Who Do You Love?".
Bo Diddley
#26
Brian May
Probablemente el único guitarrista que obtuvo un título en astrofísica, el guitarrista principal de Queen (y compositor frecuente) es un aventurero inteligente que siempre está buscando nuevos efectos. Uno de sus primeros objetivos era "ser el primero en poner armonías [de guitarra] de tres partes en un disco", como los chillidos orquestados de su solo en "Killer Queen". Brian May superpuso docenas de partes de guitarra en pistas individuales, construyendo muros palaciegos de sonido. Apropiadamente, incluso su instrumento surgió de su imaginación: su guitarra principal, la Red Special, también conocida como Old Lady, es una maravilla casera, construida por May y su padre a principios de los sesenta con componentes que incluyen madera de una chimenea (ha sido conocido por tocarlo con una moneda de seis peniques en lugar de una púa). Ha producido de todo, desde el solo de agudos y piruetas en "Bohemian Rhapsody" hasta los riffs proto-metal de "Stone Cold Crazy". "Puedo escuchar a cualquier músico e imitar su sonido", dijo Steve Vai, "pero no puedo hacerlo con Brian May. Simplemente el solo está caminando en un terreno más alto".
Temas claves: "Keep Yourself Alive" y "Brighton Rock".
Keep Yourself Alive
#25
Tony Iommi
"Recuerdo la primera vez que escuché Black Sabbath. Mi hermano mayor consiguió su álbum "Master of Reality" de un niño que vivía al lado, y lo habíamos estado pasando como si fuera crack. Estábamos jugando con las luces apagadas y una vela encendida, cuando mi papá irrumpió en la habitación. Él estaba como, "¿Qué es esta mierda?" Luego rompió el disco justo en frente de nosotros. Pero la música acababa de golpearme como un rayo. Realmente entro en la Iommi-esfera cada vez que me pongo una guitarra. Tony es un pionero del metal, pero hay una verdadera delicadeza en su forma de tocar; no es tan rápido. Su fraseo tiene una vibra tan clásica, y me inspiro mucho en el trino de Tony.
Me lastimé en un concierto de Black Sabbath en 1999. Durante "Snowblind", todos estábamos abrazados, y luego nos caímos y golpeé una silla y me rompí las costillas. Yo estaba como, "Joder, me duele mucho, pero no quiero irme. ¡Tengo que seguir viendo tocar a Tony!".
Por Brent Hinds de Mastodon.
Temas claves: "Iron Man", "Sabbra Cadabra" y "Children of the Grave".
Sabbra Cadabra
#24
Angus Young
"No me considero un solista", dijo el guitarrista principal de AC/DC sobre su estilo maníaco. "Es un color; lo puse para la emoción". Jerry Cantrell de Alice in Chains lo llamó "el dios absoluto de la guitarra de blues-rock". El enfoque que Angus Young y su hermano Malcolm, que tocaba la guitarra rítmica, desarrollaron en los primeros años de AC/DC (ejecuciones pentatónicas de alta velocidad sobre estruendosos licks de acordes potentes) se convirtió en una tradición de rock duro, y millones de guitarristas de todo el mundo tienen los licks de "Back in Black" y "Highway to Hell" impresos en sus cerebros. "Malcolm y Angus han hecho más con tres cuerdas que cualquier otro ser humano", dijo Slash. La personalidad de Angus Young en el escenario (atuendos de colegial, caminando como un Chuck Berry diminuto) es tan colorido como su forma de tocar. "¡Es como el maldito Clark Kent!", le dijo el líder de AC/DC, Brian Johnson, a Rolling Stone en 2008. "¡Entra en una cabina telefónica y sale como un diablillo de 14 años, listo para rockear!".
Temas claves: "Highway to Hell" y "Bad Boy Boogie".
Highway to Hell
#23
Buddy Guy
Buddy Guy se acostumbró a que la gente llamara a su estilo de guitarra un montón de ruido, desde su familia en la Luisiana rural, que lo echó de la casa por hacer estruendo, hasta los jefes de Chess Records, Phil y Leonard Chess, quienes, dice, "no me dejaban soltarme como quería" en sesiones con Muddy Waters, Howlin' Wolf y Little Walter. Pero a medida que una nueva generación de rockeros descubrió el blues, el calado de Guy se convirtió en una gran influencia para los titanes, desde Jimi Hendrix hasta Jimmy Page. La interpretación extravagante de Guy (curvas enormes, distorsión prominente, licks frenéticos) en clásicos como "Stone Crazy" y "First Time I Met the Blues", y sus colaboraciones con el difunto maestro del arpa Junior Wells, elevaron el estándar para la furia de las seis cuerdas. Su talento para el espectáculo, completo con paseos en solitario a través de la audiencia, sigue siendo electrizante a los 75 años. "Él era para mí lo que Elvis probablemente era para otras personas", dijo Eric Clapton en la inducción al Salón de la Fama del Rock and Roll de Guy en 2005. "Mi curso estaba establecido, y él era mi piloto".
Temas claves: "Stone Crazy" y "First Time I Met the Blues".
Stone Crazy
#22
Frank Zappa
"Cuando estaba aprendiendo a tocar la guitarra, estaba obsesionado con ese álbum", dijo Trey Anastasio de Phish en 2005 sobre la colección de 1981 de Frank Zappa de intrincados y vertiginosos solos, "Shut Up 'n' Play Yer Guitar". "Cada límite que era posible en la guitarra", dijo Anastasio, "fue examinado por él de maneras que otras personas no lo hicieron". Como jefe absoluto de sus bandas, incluidas las formaciones legendarias de Mothers of Invention, Zappa fusionó doo-wop, blues urbano, jazz de big band y modernismo orquestal con mano de hierro. Como guitarrista, bebió de todas esas fuentes, luego improvisó con un deleite furioso y genuino. Su solo en "Willie the Pimp", en "Hot Rats" de 1969, es una fiesta de estudio extendida de distorsión grasienta, wah-wah masticado y slaloms agitados de blues. En concierto, Zappa "caminaba, hacía lo suyo, dirigía", recordó Anastasio. Pero cuando tomó su guitarra para un solo, "estaba completamente en comunión con su instrumento... Simplemente se convirtió en música soul".
Temas claves: "Willie the Pimp" y "In-a-Gadda-Stravinsky".
Willie the Pimp
#21
Chet Atkins
Como ejecutivo discográfico y productor en los años sesenta, Chet Atkins inventó el sabio pop del "sonido de Nashville", que rescató a la música country de una depresión comercial. Como guitarrista, fue aún más inventivo, dominando el country, el jazz y los estilos clásicos y perfeccionando la capacidad de tocar acordes y melodías simultáneamente, gracias a su distintivo estilo de tocar con el pulgar y tres dedos. "Mucho fue prueba y error", dijo Atkins a Rolling Stone en 1976. "Tenía una maldita guitarra en mis manos 16 horas al día y experimentaba todo el tiempo". Atkins podía ser relajado y moderado (como se escucha en grabaciones icónicas como "Your Cheatin' Heart" de Hank Williams, "Heartbreak Hotel" de Elvis Presley y varios de los primeros éxitos de los Everly Brothers). Pero sus propios álbumes en solitario con gran cantidad de instrumentos son una bolsa interminable de trucos de guitarra, mezclando armónicos, arpegios y notas puras con un tono brillantemente claro. "Creo que influyó en todos los que tomaron una guitarra", dijo Duane Eddy.
Temas claves: "Your Cheatin' Heart" y "Wake Up Little Susie".
Wake Up Little Susie
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