Nota: Ver la 1ra parte para conocer el panel de los mejores guitarristas y expertos que votaron en esta lista.
5ta Parte - Del #20 al #1
#20
Carlos Santana
Carlos Santana, nacido en México, acababa de terminar la escuela secundaria en San Francisco, en 1965, cuando la escena musical de la ciudad explotó y lo expuso a una gran cantidad de revelaciones: blues eléctrico, ritmos africanos y jazz moderno; mentores de guitarra como Jerry García y Peter Green de Fleetwood Mac, que se convirtieron en hilos clave en la psicodelia de ritmo latino de su banda homónima. El tono cristalino de Santana y el sostenido de arco limpio lo convierten en el raro instrumentista que se puede identificar en una sola nota. En cuanto a su estilo audaz y exploratorio, le da crédito parcial a su consumo de ácido. "No puedes tomar LSD y no encontrar tu voz", afirma, "porque no hay dónde esconderse. No vas a sonar plástico o lindo". La fuerza acogedora del sonido de Santana lo convierte en un colaborador ideal (su álbum de 1999, "Supernatural", cargado de superestrellas, ganó nueve premios Grammy) y una inspiración perdurable. Prince lo llamó una influencia más grande que Jimi Hendrix: "Santana tocó más bonito".
Temas claves: "Black Magic Woman", "Oye Como Va" y "Soul Sacrifice".
Black Magic Woman
#19
James Burton
El característico estilo de "picar pollo" de James Burton (brillante, nítido y conciso) es uno de los sonidos más exclusivos de la música country y también una gran influencia en la guitarra rock. Burton comenzó cuando tenía 14 años, escribiendo "Susie Q" para Dale Hawkins, y se convirtió en una estrella adolescente cuando se unió a la banda de Ricky Nelson en 1957. Con Nelson, Burton creó su técnica distintiva: usó un fingerpick y un flatpick, y reemplazó las cuatro cuerdas más altas de su Telecaster con cuerdas de banjo, de modo que su guitarra chasqueó, chasqueó y tartamudeó. "Nunca compré un disco de Ricky Nelson", dijo Keith Richards. "Compré un disco de James Burton". A finales de los años sesenta y setenta, convocó a la banda TCB de Elvis y se convirtió en un tipo de referencia en los discos de mentalidad country de Joni Mitchell y Gram Parsons, y todavía hoy sigue de gira. "Era simplemente un tipo misterioso: '¿Quién es este tipo y por qué está en todos estos discos que me gustan?'", dice Joe Walsh. "Su técnica era lo más importante".
Temas claves: "Hello Mary Lou", "Susie Q" y "Believe What You Say".
Susie Q
#18
Les Paul
Les Paul es mejor conocido como el genio que inventó la guitarra de cuerpo sólido que lleva su nombre. Pero era tan imaginativo como un jugador. "Hizo los mejores sonidos de guitarra de la década de 1950", dijo Brian Wilson. "No hay nadie que se haya acercado". Una larga serie de éxitos en las décadas de 1940 y 1950 (solo y con su esposa, la cantante y guitarrista Mary Ford) establecieron su estilo característico: improvisaciones elegantes, de tonos limpios y dedos rápidos sobre los estándares del pop actual. Paul creó una serie revolucionaria de innovaciones técnicas, que incluyen sobregrabaciones de estudio de varias capas y reproducción de cinta de velocidad variable, para lograr sonidos que nunca se le habían ocurrido a nadie: mira el solo de enjambre de insectos en su grabación de 1948 de "Lover". Hasta poco antes de la muerte de Paul en 2009 a los 94 años, todavía tocaba en conciertos semanales en un club de jazz de Nueva York, con fanáticos metaleros en la audiencia. En palabras de Richie Sambora, "Tenía todos los licks, y cuando lo escuchabas, sonaba como si viniera del espacio exterior".
Temas claves: "How High the Moon", "Vaya Con Dios" y "Tiger Rag".
How High the Moon
#17
Neil Young
"Si alguna vez fuera a dar una clase magistral a guitarristas jóvenes, lo primero que tocaría sería el primer minuto del solo original de Neil Young, "Down by the River". Es una nota, pero es tan melódica, y solo gruñe con actitud e ira. Es como si quisiera desesperadamente conectarse. La forma de tocar de Neil es como un tubo abierto desde su corazón hasta el público. En los noventa tocamos en un festival con Crazy Horse. Al final de "Like a Hurricane", Neil entró en este solo de retroalimentación que era más como una pintura impresionista sónica. Estaba a unos seis pies del micrófono, cantando para que pudieras escucharlo sobre las coloridas olas del sonido de un huracán.
Pienso mucho en ese momento cuando estoy tocando. Los conceptos tradicionales de ritmo y claves son geniales, pero la música es como un océano gigante. Es un lugar grande y furioso, y hay muchas trincheras que no han sido exploradas. Neil todavía está abriendo camino para las personas que son más jóvenes que él, recordándonos que puedes abrir camino artístico."
Por Trey Anastasio.
Pienso mucho en ese momento cuando estoy tocando. Los conceptos tradicionales de ritmo y claves son geniales, pero la música es como un océano gigante. Es un lugar grande y furioso, y hay muchas trincheras que no han sido exploradas. Neil todavía está abriendo camino para las personas que son más jóvenes que él, recordándonos que puedes abrir camino artístico."
Por Trey Anastasio.
Temas claves: "Down by the River" y "Mr. Soul".
Down by the River
#16
Derek Trucks
Literalmente criado en la familia Allman Brothers, Derek Trucks, sobrino del baterista de Allmans, Butch Trucks, comenzó a tocar la guitarra slide a los nueve años y estaba de gira a los 12. Pero la precocidad de Trucks estaba cargada de fiebre de explorador. Cuando entró en el puesto de guitarra slide del difunto Duane Allman en la Allman Brothers Band en 1999, a los 20 años, los solos de Derek explotaron en direcciones emocionantes, logrando incorporar Delta blues, hard-bop-jazz, los éxtasis vocales del gospel negro sureño, y modalidad y ritmos indian-raga.
"Tiene infinitamente más sonidos que yo", reconoce John Mayer con admiración. Además de hacer giras regulares con los Allman Brothers, Trucks ahora codirige la Tedeschi Trucks Band, una bestia de 11 integrantes en la tradición de Delaney and Bonnie, junto con su esposa, la cantante y guitarrista Susan Tedeschi. "Es como un pozo sin fondo", dijo Eric Clapton, quien llevó a Trucks de gira como acompañante en 2006 y 2007. "Lo suyo es muy profundo".
"Tiene infinitamente más sonidos que yo", reconoce John Mayer con admiración. Además de hacer giras regulares con los Allman Brothers, Trucks ahora codirige la Tedeschi Trucks Band, una bestia de 11 integrantes en la tradición de Delaney and Bonnie, junto con su esposa, la cantante y guitarrista Susan Tedeschi. "Es como un pozo sin fondo", dijo Eric Clapton, quien llevó a Trucks de gira como acompañante en 2006 y 2007. "Lo suyo es muy profundo".
Temas claves: "Joyful Noise" y "Whipping Post" (One Way Out version).
Joyful Noise
#15
Freddy King
En una entrevista de 1985, Eric Clapton citó el lado B de 1961 de Freddy King, "I Love the Woman", como "la primera vez que escuché ese estilo de guitarra eléctrica solista, con las notas dobladas... [eso] me inició en mi camino". Clapton compartió su amor por King con sus compañeros héroes de la guitarra británica Peter Green, Jeff Beck y Mick Taylor, quienes fueron profundamente influenciados por el agudo tono agudo de King y los breves ganchos melódicos en sencillos icónicos como "The Stumble", "I'm Tore Down" y "Someday, After Awhile". Apodado "The Texas Cannonball" por su imponente constitución y sus incendiarios shows en vivo, King tenía un ataque de guitarra único. "Acero sobre acero es un sonido inolvidable", dice Derek Trucks, refiriéndose al uso que hace King de púas de banjo de metal. "Pero tiene que estar en las manos adecuadas. La forma en que la usa, hombre, vas a escuchar esa guitarra". Trucks aún puede escuchar el enorme impacto de King en Clapton. "Cuando toqué con Eric", dijo Trucks recientemente, "hubo momentos en los que él tomaba solos y yo sentía esa vibra de Freddy".
Temas claves: "Hide Away", "Have You Ever Loved a Woman" y "The Stumble".
The Stumble
#14
David Gilmour
Como productor y compositor, David Gilmour de Pink Floyd se siente atraído por las texturas flotantes y de ensueño, pero cuando toma su Stratocaster negra para tocar un solo, se apodera de una sensibilidad completamente diferente: "Quería un tono de guitarra solista brillante y potente para básicamente arrancarte la cara", dice. Era un solista feroz, basado en el blues en una banda que casi nunca tocaba el blues: sus solos extensos, elegantes e implacablemente melódicos, eran una llamada de atención tan estimulante como esos despertadores en "The Dark Side of the Moon". Pero Gilmour también era experto en la improvisación vanguardista, como se vio en los días de Floyd's Live at Pompeii, y podía ser un guitarrista rítmico inesperadamente funky, desde el riff furtivo de "Have a Cigar" hasta las florituras chic de "Another Brick in the Wall, Part 2". Su uso pionero del eco y otros efectos, inspirado inicialmente por el guitarrista original de Floyd, Syd Barrett, culminó con su uso preciso del retardo en "Run Like Hell", que anticipa directamente el sonido característico de Edge.
Temas claves: "Comfortably Numb" y "Shine on You Crazy Diamond".
Comfortably Numb
#13
Albert King
Cuando el reportero de Rolling Stone, Jon Landau, le preguntó a Albert King en 1968 quiénes eran sus influencias en la guitarra, King respondió: "Nadie. Todo lo que hago está mal". Pionero del blues eléctrico, King (que era zurdo) tocaba una Gibson Flying V de 1959 para diestros al revés, con las cuerdas del bajo mirando hacia el suelo de manera poco convencional. Usó una afinación secreta indescifrable, tocando notas con el pulgar. King, de seis pies y cuatro pulgadas y 300 libras, podía doblar las notas más lejos y con más fuerza que casi cualquier otro guitarrista, y sus discos influyeron en una generación: Eric Clapton tomó el solo de "Strange Brew" de King, y Duane Allman convirtió la melodía de "As the Years Go Passing By" de King, en el riff principal de "Layla". Jimi Hendrix quedó deslumbrado cuando su ídolo abrió para él en el Fillmore en 1967. "Le enseñé [a Hendrix] una lección sobre el blues", dijo King. "Podría haber tocado fácilmente sus canciones, pero él no pudo tocar las mías".
Temas claves: "Born Under a Bad Sign" y "As the Years Go Passing By".
Born Under a Bad Sign
#12
Stevie Ray Vaughan
A principios de los años ochenta, MTV estaba en auge y la guitarra de blues estaba a kilómetros de distancia de la corriente principal de la música. Pero Stevie Ray Vaughan de Texas exigió su atención. Había absorbido los estilos de casi todos los grandes guitarristas de blues, además de Jimi Hendrix y mucho jazz y rockabilly, y su tono monstruoso, su virtuosismo informal y su impecable sentido del swing, podían hacer que un blues shuffle como "Pride and Joy" golpeara con la misma fuerza que el metal. Vaughan fue reconocido como un compañero por artistas como B.B. King y Eric Clapton, y a pesar de su muerte en 1990 en un accidente de helicóptero, sigue inspirando a varias generaciones de guitarristas, desde Mike McCready de Pearl Jam hasta John Mayer y la joven estrella en ascenso Gary Clark Jr. "Stevie fue una de las razones por las que quería una Stratocaster: su tono, que nunca he podido dominar, era tan grande, audaz y brillante al mismo tiempo", dice Clark. "Si escuchas sus discos y miras sus videos, puedes darte cuenta de que te está dando todo lo que tiene. Su pasión es abrumadora".
Temas claves: "Love Struck Baby", "Cold Shot" y "Look at Little Sister".
Love Struck Baby
#11
George Harrison
"George Harrison y yo estábamos una vez en un automóvil y sonó la canción de los Beatles, "You Can't Do That", con ese gran riff al principio en las 12 cuerdas. Él dice: "Se me ocurrió eso". Y yo dije: "¿En serio? ¿Cómo?" Dijo: "Estaba parado allí y pensé: '¡Tengo que hacer algo!'". Eso lo resume bastante. Simplemente tenía una manera de ir directamente al negocio, de encontrar lo correcto para tocar. Eso era parte de la magia de los Beatles: todos parecían encontrar lo correcto para tocar.
George conocía todos los oscuros solos de Elvis; sus influencias iniciales fueron el rockabilly: Carl Perkins, Eddie Cochran, Chet Atkins, Scotty Moore, pero siempre le agregó algo. Incluso retrocediendo, solía desmayarme con ese solo en "I Saw Her Standing There". Simplemente no puedes imaginar nada más allí. Tenía ese don. ¿Y cuántas Rickenbacker de 12 cuerdas vendió ese tipo? Ese también era un sonido completamente nuevo: Roger McGuinn tomó la idea de George, y luego Roger la llevó a su propio lugar con los Byrds.
Cuando pasó a la guitarra slide más tarde en la carrera de los Beatles, fue realmente hermoso escucharlo tocar eso. Una vez me dijo: "Creo que los guitarristas modernos se están olvidando del tono", y eso era algo que realmente le importaba. Estaba muy afinado cuando tocaba, el deslizamiento era muy preciso y solo un hermoso vibrato en él. Realmente sonaba como una voz, como una voz característica muy distinta que salía de él. Sólo escucha esos discos. Son tan inmaculados, tan inventivos. Era un tipo que podía añadir mucho."
Por Tom Petty.
George conocía todos los oscuros solos de Elvis; sus influencias iniciales fueron el rockabilly: Carl Perkins, Eddie Cochran, Chet Atkins, Scotty Moore, pero siempre le agregó algo. Incluso retrocediendo, solía desmayarme con ese solo en "I Saw Her Standing There". Simplemente no puedes imaginar nada más allí. Tenía ese don. ¿Y cuántas Rickenbacker de 12 cuerdas vendió ese tipo? Ese también era un sonido completamente nuevo: Roger McGuinn tomó la idea de George, y luego Roger la llevó a su propio lugar con los Byrds.
Cuando pasó a la guitarra slide más tarde en la carrera de los Beatles, fue realmente hermoso escucharlo tocar eso. Una vez me dijo: "Creo que los guitarristas modernos se están olvidando del tono", y eso era algo que realmente le importaba. Estaba muy afinado cuando tocaba, el deslizamiento era muy preciso y solo un hermoso vibrato en él. Realmente sonaba como una voz, como una voz característica muy distinta que salía de él. Sólo escucha esos discos. Son tan inmaculados, tan inventivos. Era un tipo que podía añadir mucho."
Por Tom Petty.
Temas claves: "I Saw Her Standing There" y "Something".
Something
#10
Pete Townshend
"Pete Townshend no toca muchos solos, lo que podría explicar por qué tanta gente no se da cuenta de lo bueno que es en realidad. Pero él es muy importante para el rock: es un músico visionario que realmente iluminó todo. Su forma de tocar la guitarra rítmica es extremadamente emocionante y agresiva: es un guitarrista salvaje, en cierto modo. Tiene una fisicalidad maravillosa y fluida con la guitarra que no se ve a menudo, y su manera de tocar es en gran medida un reflejo de quién es él como persona: un tipo muy intenso. Es como el punk original, el primero en destruir una guitarra en el escenario, una declaración impresionante en ese momento. Pero también es una persona muy elocuente y alfabetizada. Escucha mucho jazz y me dijo que eso es lo que realmente le gustaría hacer. En "Substitute" puedes escuchar la influencia del enfoque modal de Miles Davis en la forma en que sus acordes se mueven contra la cuerda D abierta. Estaba usando la retroalimentación desde el principio, que creo que fue influenciado por la música de vanguardia europea como Stockhausen, una cosa de la escuela de arte. Los grandes acordes resonantes que usó en The Who fueron musicalmente inteligentes cuando consideras cuán ocupados estaban los tambores y el bajo en esa banda; podría haberse vuelto caótico si no fuera por él. Más o menos inventó el acorde de potencia, y puedes escuchar una especie de cosa anterior a Zeppelin en el trabajo de Who's Sixties. Gran parte de estas cosas vinieron de él."
Por Andy Summers.
Por Andy Summers.
Temas claves: "My Generation", "I Can See for Miles" y "Summertime Blues".
My Generation
#9
Duane Allman
"Crecí tocando la guitarra slide en la iglesia, y la idea era imitar la voz humana: después de que la anciana o el predicador dejaran de cantar, teníamos que continuar con la melodía de la canción tal como la habían cantado. Justo en esos términos, Duane Allman lo llevó a otro nivel. Era mucho más preciso que cualquiera que hubiera venido antes. Cuando escuché por primera vez esos discos de la vieja escuela de Allman Brothers, fue extraño para mí porque el sonido era muy similar a lo que había crecido escuchando.
Escuche "Layla", especialmente cuando entra en ese outro. Duane se desliza por toda esa melodía. Solía poner eso en "repetir" cuando me iba a la cama. Todos nosotros, los guitarristas, nos sentamos y practicamos, pero ese es uno de esos discos en los que quieres dejar la guitarra y simplemente escuchar.
Eric Clapton me dijo que sabía que trabajar con Duane llevaría la música de guitarra a un lugar completamente nuevo; tuvieron una visión, y llegaron allí. Clapton dijo que estaba muy nervioso por dos tipos tocando la guitarra, pero Duane era el gato más genial: decía: "¡Bajémonos!"
Duane murió joven, y es solo una de esas cosas. Se notaba que iba a mejorar 50 veces. Pero Dios lo resuelve así, y ese es el legado que dejó. En mi iPod está todo lo que grabó Duane. Escucho canciones de Allmans cada dos días."
Por Robert Randolph.
Escuche "Layla", especialmente cuando entra en ese outro. Duane se desliza por toda esa melodía. Solía poner eso en "repetir" cuando me iba a la cama. Todos nosotros, los guitarristas, nos sentamos y practicamos, pero ese es uno de esos discos en los que quieres dejar la guitarra y simplemente escuchar.
Eric Clapton me dijo que sabía que trabajar con Duane llevaría la música de guitarra a un lugar completamente nuevo; tuvieron una visión, y llegaron allí. Clapton dijo que estaba muy nervioso por dos tipos tocando la guitarra, pero Duane era el gato más genial: decía: "¡Bajémonos!"
Duane murió joven, y es solo una de esas cosas. Se notaba que iba a mejorar 50 veces. Pero Dios lo resuelve así, y ese es el legado que dejó. En mi iPod está todo lo que grabó Duane. Escucho canciones de Allmans cada dos días."
Por Robert Randolph.
Temas claves: "Statesboro Blues", "Whipping Post" y "Blue Sky".
Statesboro Blues
#8
Eddie Van Halen
"Cuando tenía 11 años, estaba en casa de mi profesor de guitarra y él puso "Eruption". Parecía que venía de otro planeta. Estaba aprendiendo acordes básicos, cosas como AC/DC y Deep Purple; "Erupción" realmente no tenía sentido para mí, pero fue glorioso, como escuchar a Mozart por primera vez.
Eddie es un maestro de los riffs: "Unchained", "Take Your Whiskey Home", el comienzo de "Ain't Talking 'Bout Love". Obtiene sonidos que no son necesariamente sonidos de guitarra: muchos armónicos, texturas que ocurren solo por cómo toca. Hay una parte en "Unchained" donde suena como si hubiera otro instrumento en el riff.
Mucho de eso está en sus manos: la forma en que sostiene su púa entre el pulgar y el dedo medio, lo que abre las cosas para tocar con los dedos. (Cuando descubrí que tocaba de esa manera, lo intenté yo mismo, pero era demasiado extraño). Pero debajo de eso, Eddie tiene alma. Es como Hendrix: puedes tocar las cosas que ha escrito, pero hay un factor X que no puedes obtener.
Eddie todavía lo tiene. Vi a Van Halen en su gira de reunión hace dos años, y en el momento en que salió, sentí lo mismo que sentí cuando era niño. Cuando ves a un maestro, lo sabes."
Por Mike McCready de Pearl Jam.
Eddie es un maestro de los riffs: "Unchained", "Take Your Whiskey Home", el comienzo de "Ain't Talking 'Bout Love". Obtiene sonidos que no son necesariamente sonidos de guitarra: muchos armónicos, texturas que ocurren solo por cómo toca. Hay una parte en "Unchained" donde suena como si hubiera otro instrumento en el riff.
Mucho de eso está en sus manos: la forma en que sostiene su púa entre el pulgar y el dedo medio, lo que abre las cosas para tocar con los dedos. (Cuando descubrí que tocaba de esa manera, lo intenté yo mismo, pero era demasiado extraño). Pero debajo de eso, Eddie tiene alma. Es como Hendrix: puedes tocar las cosas que ha escrito, pero hay un factor X que no puedes obtener.
Eddie todavía lo tiene. Vi a Van Halen en su gira de reunión hace dos años, y en el momento en que salió, sentí lo mismo que sentí cuando era niño. Cuando ves a un maestro, lo sabes."
Por Mike McCready de Pearl Jam.
Temas claves: “Eruption”, “Ain’t Talking ‘Bout Love” y “Hot for Teacher”.
Eruption
#7
Chuck Berry
"Cuando vi a Chuck Berry en "Jazz on a Summer's Day" cuando era adolescente, lo que me llamó la atención fue cómo estaba tocando contra la corriente con un grupo de chicos de jazz. Eran brillantes, tipos como Jo Jones en la batería y Jack Teagarden en el trombón, pero tenían esa actitud de jazz que los gatos ponen a veces: "Ooh... este rock & roll..." Con "Sweet Little Sixteen", Chuck los tomó a todos por asalto y jugó en contra de su animosidad. Para mí, eso es blues. Esa es la actitud y las agallas que se necesitan. Eso es lo que quería ser, excepto que era blanco.
Escuché cada lick que tocó y lo recogí. Chuck lo obtuvo de T-Bone Walker, y yo lo obtuve de Chuck, Muddy Waters, Elmore James y B.B. King. Todos somos parte de esta familia que se remonta a miles de años. Realmente, todos lo estamos pasando.
Chuck estaba tocando una versión ligeramente acalorada del blues de Chicago, ese boogie de guitarra, que todos los gatos tocaban, pero lo llevó a otro nivel. Era un poco más joven que los chicos de blues mayores, y sus canciones eran más comerciales sin ser solo pop, lo cual es algo difícil de hacer. Chuck tenía el swing. Hay rock, pero lo que cuenta es el rollo. Y Chuck tenía una banda increíble en esos primeros discos: Willie Dixon al bajo, Johnnie Johnson al piano, Ebby Hardy o Freddy Below a la batería. Entendieron de qué se trataba y simplemente se balancearon con él. No hay nada mejor que eso.
No es el chico más fácil del mundo con el que llevarse bien, lo que siempre fue un poco decepcionante para mí, porque ese gato escribió canciones que tenían mucho sentido del humor y mucha inteligencia. El viejo hijo de puta acaba de cumplir 85 años. Le deseo un feliz cumpleaños, y desearía poder aparecer y decirle: "Oye, Chuck, tomemos una copa juntos o algo así". Pero él no es ese tipo de gato."
Por Keith Richards.
Escuché cada lick que tocó y lo recogí. Chuck lo obtuvo de T-Bone Walker, y yo lo obtuve de Chuck, Muddy Waters, Elmore James y B.B. King. Todos somos parte de esta familia que se remonta a miles de años. Realmente, todos lo estamos pasando.
Chuck estaba tocando una versión ligeramente acalorada del blues de Chicago, ese boogie de guitarra, que todos los gatos tocaban, pero lo llevó a otro nivel. Era un poco más joven que los chicos de blues mayores, y sus canciones eran más comerciales sin ser solo pop, lo cual es algo difícil de hacer. Chuck tenía el swing. Hay rock, pero lo que cuenta es el rollo. Y Chuck tenía una banda increíble en esos primeros discos: Willie Dixon al bajo, Johnnie Johnson al piano, Ebby Hardy o Freddy Below a la batería. Entendieron de qué se trataba y simplemente se balancearon con él. No hay nada mejor que eso.
No es el chico más fácil del mundo con el que llevarse bien, lo que siempre fue un poco decepcionante para mí, porque ese gato escribió canciones que tenían mucho sentido del humor y mucha inteligencia. El viejo hijo de puta acaba de cumplir 85 años. Le deseo un feliz cumpleaños, y desearía poder aparecer y decirle: "Oye, Chuck, tomemos una copa juntos o algo así". Pero él no es ese tipo de gato."
Por Keith Richards.
Temas claves: “Johnny B. Goode”, “Maybellene” y “Roll Over Beethoven”.
Johnny B. Goode
#6
B.B. King
"Las influencias de B.B. se establecieron en una etapa temprana. Siendo de Indianola, Mississippi, retrocede lo suficiente como para recordar el sonido de los gritos de campo y las figuras fundamentales del blues, como Charley Patton y Robert Johnson. El fraseo de una sola nota de T-Bone Walker era otra cosa. Esas influencias se pueden escuchar en la elección de melodías que no solo canta vocalmente sino que deja que su guitarra cante instrumentalmente.
Toca en ráfagas cortas, con una entrega rica y robusta. Y hay una destreza técnica, un fraseo limpio. Esto fue un solo sofisticado. Es tan identificable, tan claro, que podría escribirse. John Lee Hooker, sus cosas eran demasiado difíciles de escribir. Pero B.B. era un solista genuino.
Hay dos cosas que hizo que yo estubiera desesperado por aprender. Él originó esa frase cortada al hueso en la que toca dos notas, luego salta a otra cuerda y se desliza hacia arriba hasta una nota. Puedo hacerlo mientras duermo ahora. Y está esa cosa de dos o tres notas, donde dobla la última nota. Ambas figuras nunca dejan de hacer que te muevas en tu asiento, o fuera de él. Es así de poderoso.
Hubo un punto de inflexión, alrededor de la época de [1965] "Live at the Regal", cuando su sonido adquirió una personalidad que no ha sido manipulada hoy en día: ese tono redondeado, donde la pastilla delantera está desfasada con la pastilla trasera. Y B.B. todavía toca con un amplificador Gibson que está fuera de producción desde hace mucho tiempo. Su sonido proviene de esa combinación. Es solo B.B."
Por Billy Gibbons de ZZ Top.
Toca en ráfagas cortas, con una entrega rica y robusta. Y hay una destreza técnica, un fraseo limpio. Esto fue un solo sofisticado. Es tan identificable, tan claro, que podría escribirse. John Lee Hooker, sus cosas eran demasiado difíciles de escribir. Pero B.B. era un solista genuino.
Hay dos cosas que hizo que yo estubiera desesperado por aprender. Él originó esa frase cortada al hueso en la que toca dos notas, luego salta a otra cuerda y se desliza hacia arriba hasta una nota. Puedo hacerlo mientras duermo ahora. Y está esa cosa de dos o tres notas, donde dobla la última nota. Ambas figuras nunca dejan de hacer que te muevas en tu asiento, o fuera de él. Es así de poderoso.
Hubo un punto de inflexión, alrededor de la época de [1965] "Live at the Regal", cuando su sonido adquirió una personalidad que no ha sido manipulada hoy en día: ese tono redondeado, donde la pastilla delantera está desfasada con la pastilla trasera. Y B.B. todavía toca con un amplificador Gibson que está fuera de producción desde hace mucho tiempo. Su sonido proviene de esa combinación. Es solo B.B."
Por Billy Gibbons de ZZ Top.
Temas claves: “3 O’Clock Blues”, “The Thrill Is Gone” y “Sweet Little Angel”.
3 O’Clock Blues
#5
Jeff Beck
"Jeff Beck tiene la combinación de técnica brillante con personalidad. Es como si estuviera diciendo: “Soy Jeff Beck. Estoy aquí. Y no puedes ignorarme". Incluso en los Yardbirds, tenía un tono que era melódico pero directo: brillante, urgente y nervioso, pero dulce al mismo tiempo. Se notaba que era un músico serio y que iba a por ello. Él no se estaba conteniendo.
Hay un verdadero arte en tocar con y alrededor de un vocalista, respondiéndole y empujándolo. Esa es la belleza de esos dos discos que hizo con Rod Stewart, "Truth" de 1968 y "Beck-Ola" de 1969. Jeff no se interpone en el camino, pero se defiende. Y extendió los límites del blues. "Beck's Bolero", en "Truth", no tiene blues, pero aún está basado en el blues. Una de mis canciones favoritas es la versión de "I Ain't Superstitious" de Howlin' Wolf, en "Truth". Hay un sentido del humor, ese gruñido wah-wah. No sé si Clapton juega con el mismo sentido del humor, por muy bueno que sea. Jeff definitivamente lo tiene.
Cuando entró en su fase de fusión, la versión de "Cause We've Ended as Lovers" de Stevie Wonder, en "Blow by Blow", me atrapó de inmediato. El tono era tan puro y delicado. Es como si hubiera un vocalista cantando, pero había un guitarrista haciendo todas las notas. Lo vi el año pasado en un casino de San Diego, y la guitarra era la voz. No eche de menos al cantante, porque la guitarra era muy lírica. Hay una espiritualidad y confianza en él, un compromiso de ser grande. Después de ver ese programa, me fui a casa y comencé a practicar. Tal vez eso es lo que tomé de él: si quieres ser Jeff Beck, haz tu tarea."
Por Mike Campbell de The Heartbreakers.
Hay un verdadero arte en tocar con y alrededor de un vocalista, respondiéndole y empujándolo. Esa es la belleza de esos dos discos que hizo con Rod Stewart, "Truth" de 1968 y "Beck-Ola" de 1969. Jeff no se interpone en el camino, pero se defiende. Y extendió los límites del blues. "Beck's Bolero", en "Truth", no tiene blues, pero aún está basado en el blues. Una de mis canciones favoritas es la versión de "I Ain't Superstitious" de Howlin' Wolf, en "Truth". Hay un sentido del humor, ese gruñido wah-wah. No sé si Clapton juega con el mismo sentido del humor, por muy bueno que sea. Jeff definitivamente lo tiene.
Cuando entró en su fase de fusión, la versión de "Cause We've Ended as Lovers" de Stevie Wonder, en "Blow by Blow", me atrapó de inmediato. El tono era tan puro y delicado. Es como si hubiera un vocalista cantando, pero había un guitarrista haciendo todas las notas. Lo vi el año pasado en un casino de San Diego, y la guitarra era la voz. No eche de menos al cantante, porque la guitarra era muy lírica. Hay una espiritualidad y confianza en él, un compromiso de ser grande. Después de ver ese programa, me fui a casa y comencé a practicar. Tal vez eso es lo que tomé de él: si quieres ser Jeff Beck, haz tu tarea."
Por Mike Campbell de The Heartbreakers.
Temas claves: “Beck’s Bolero”, “Freeway Jam”, “A Day in the Life”, “I Ain’t Superstitious” y “Heart Full of Soul”.
I Ain’t Superstitious
#4
Keith Richards
"Recuerdo estar en la escuela secundaria, escuchar "Satisfaction" y asustarme por lo que me hizo. Es una combinación del riff y los acordes que se mueven debajo. Keith escribió temas de dos y tres notas que eran más poderosos que cualquier gran solo. Tocó el ritmo de vibrato y la guitarra principal en "Gimme Shelter". No creo que nadie haya creado nunca un estado de ánimo tan oscuro y siniestro. Hay una claridad entre esas dos guitarras que deja este ominoso espacio para que Mick Jagger cante. Nadie alterna afinaciones mejor que Keith. Recuerdo tocar el coro de "Beast of Burden". Estoy como, "Estos son los acordes correctos, pero no suenan como Keith". Tenía una afinación genial, un hermoso acorde tan bien afinado que canta. Ese es el núcleo de cada gran parte de guitarra en un disco de los Rolling Stones. Keith encuentra la afinación que permite que el trabajo, las cuerdas que se alteran y silencian, se salgan del camino de lo que está sintiendo.
Fui a ver a Keith con los X-Pensive Winos. En el camerino, Keith empezó a practicar un riff de Chuck Berry. Nunca en mi vida lo había escuchado sonar así. Me encanta Chuck Berry. Pero esto era mejor. No técnicamente, había un contenido emocional que me hablaba. Lo que Chuck es para Keith, Keith lo es para mí."
Por Nils Lofgren de The E Street Band.
Temas claves: "(I Can't Get No) Satisfaction" y "Gimme Shelter".
Gimme Shelter
#3
Jimmy Page
"Escuchar lo que hace Jimmy Page en la guitarra puede transportarte. Como guitarrista principal, siempre toca lo correcto en el lugar correcto: tiene un gusto extraordinario. El solo de "Heartbreaker" tiene una inmediatez increíble; está tambaleándose al borde de su técnica, y sigue siendo espectacular. Pero no puedes mirar solo su forma de tocar la guitarra. Tienes que ver lo que hizo con él en el estudio y cómo lo usó en las canciones que escribió y produjo. Jimmy construyó este increíble catálogo de experiencia con los Yardbirds y haciendo trabajo de sesión, así que cuando hizo el primer disco de Led Zeppelin, sabía exactamente qué tipo de sonidos quería obtener.
Tenía esta visión de cómo trascender los estereotipos de lo que puede hacer la guitarra. Si sigues la guitarra en "The Song Remains the Same" hasta el final, evoluciona a través de tantos cambios diferentes: más fuerte, más bajo, más suave, más fuerte nuevamente. Estaba escribiendo las canciones, tocándolas, produciéndolas; no puedo pensar en ningún otro guitarrista desde Les Paul que pueda afirmar eso."
Por Joe Perry.
Tenía esta visión de cómo trascender los estereotipos de lo que puede hacer la guitarra. Si sigues la guitarra en "The Song Remains the Same" hasta el final, evoluciona a través de tantos cambios diferentes: más fuerte, más bajo, más suave, más fuerte nuevamente. Estaba escribiendo las canciones, tocándolas, produciéndolas; no puedo pensar en ningún otro guitarrista desde Les Paul que pueda afirmar eso."
Por Joe Perry.
Temas claves: "Dazed and Confused", "Heartbreaker" y "Kashmir".
Heartbreaker
#2
Eric Clapton
"Eric Clapton es básicamente el único guitarrista que me influyó, aunque no suene como él. Había una simplicidad básica en su forma de tocar, su estilo, su vibra y su sonido. Tomó una guitarra Gibson y la conectó a un Marshall, y eso fue todo. Los basicos. Los blues. Sus solos eran melódicos y memorables, y eso es lo que deberían ser los solos de guitarra, parte de la canción. Te las podría tararear.
Lo que realmente me gustó fueron las grabaciones en vivo de Cream, porque podías escuchar a los tres muchachos tocando. Si escuchas "I'm So Glad" en Goodbye, realmente escuchas a los tres muchachos irse, y Jack Bruce y Ginger Baker eran un par de tipos de jazz que empujaban a Clapton hacia adelante. Una vez leí que Clapton dijo: “No sabía qué diablos estaba haciendo”. ¡Él solo estaba tratando de mantenerse al día con los otros dos muchachos!
Después de Cream, cambió. Cuando empezó a hacer "I Shot the Sheriff" y esto y aquello, y cuando se juntó con Delaney y Bonnie, todo su estilo cambió. O al menos su sonido. Se centró más en cantar que en tocar. Lo respeto por todo lo que ha hecho y sigue haciendo, pero lo que me inspiró, lo que me hizo tomar una guitarra, fueron sus primeros trabajos. Podría tocar algunos de esos solos ahora, están grabados permanentemente en mi cerebro. Ese sonido basado en el blues sigue siendo el núcleo de la guitarra de rock moderna."
Por Eddie Van Halen.
Lo que realmente me gustó fueron las grabaciones en vivo de Cream, porque podías escuchar a los tres muchachos tocando. Si escuchas "I'm So Glad" en Goodbye, realmente escuchas a los tres muchachos irse, y Jack Bruce y Ginger Baker eran un par de tipos de jazz que empujaban a Clapton hacia adelante. Una vez leí que Clapton dijo: “No sabía qué diablos estaba haciendo”. ¡Él solo estaba tratando de mantenerse al día con los otros dos muchachos!
Después de Cream, cambió. Cuando empezó a hacer "I Shot the Sheriff" y esto y aquello, y cuando se juntó con Delaney y Bonnie, todo su estilo cambió. O al menos su sonido. Se centró más en cantar que en tocar. Lo respeto por todo lo que ha hecho y sigue haciendo, pero lo que me inspiró, lo que me hizo tomar una guitarra, fueron sus primeros trabajos. Podría tocar algunos de esos solos ahora, están grabados permanentemente en mi cerebro. Ese sonido basado en el blues sigue siendo el núcleo de la guitarra de rock moderna."
Por Eddie Van Halen.
Temas claves: “Bell Bottom Blues”, “Crossroads” y “White Room”.
White Room
#1
Jimi Hendrix
"Jimi Hendrix explotó nuestra idea de lo que podría ser la música rock: manipuló la guitarra, la barra vibratoria, el estudio y el escenario. En canciones como "Machine Gun" o "Voodoo Chile", su instrumento es como una vara de zahorí de los turbulentos años sesenta: puedes escuchar los disturbios en las calles y las bombas de napalm cayendo en su "Star-Spangled Banner".
Su música fue sin esfuerzo. No hay un minuto de su carrera discográfica en el que se sienta como si estuviera trabajando duro en ello, se siente como si todo fluyera a través de él. La canción más hermosa del canon de Jimi Hendrix es "Little Wing". Es solo esta hermosa canción que, como guitarrista, puedes estudiar toda tu vida y no deprimirte, nunca meterte en ella como él lo hace. Entrelaza a la perfección acordes y notas sueltas juntas y utiliza voces de acordes que no aparecen en ningún libro de música. Sus riffs eran una excavadora de funk premetal, y sus líneas principales eran un viaje eléctrico de LSD hasta el cruce de caminos, donde abofeteó al diablo.
Hay discusiones acerca de quién fue el primer guitarrista en utilizar la retroalimentación. Realmente no importa, porque Hendrix lo usó mejor que nadie; tomó lo que se convertiría en funk de los setenta y lo pasó por una pila de Marshall, de una manera que nadie ha hecho desde entonces.
Es imposible pensar en lo que estaría haciendo Jimi ahora; parecía un personaje bastante mercurial. ¿Sería un anciano estadista del rock? ¿Sería Sir Jimi Hendrix? ¿O estaría haciendo alguna residencia fuera del Strip de Las Vegas? La buena noticia es que su legado está asegurado como el mejor guitarrista de todos los tiempos."
Por Tom Morello.
Su música fue sin esfuerzo. No hay un minuto de su carrera discográfica en el que se sienta como si estuviera trabajando duro en ello, se siente como si todo fluyera a través de él. La canción más hermosa del canon de Jimi Hendrix es "Little Wing". Es solo esta hermosa canción que, como guitarrista, puedes estudiar toda tu vida y no deprimirte, nunca meterte en ella como él lo hace. Entrelaza a la perfección acordes y notas sueltas juntas y utiliza voces de acordes que no aparecen en ningún libro de música. Sus riffs eran una excavadora de funk premetal, y sus líneas principales eran un viaje eléctrico de LSD hasta el cruce de caminos, donde abofeteó al diablo.
Hay discusiones acerca de quién fue el primer guitarrista en utilizar la retroalimentación. Realmente no importa, porque Hendrix lo usó mejor que nadie; tomó lo que se convertiría en funk de los setenta y lo pasó por una pila de Marshall, de una manera que nadie ha hecho desde entonces.
Es imposible pensar en lo que estaría haciendo Jimi ahora; parecía un personaje bastante mercurial. ¿Sería un anciano estadista del rock? ¿Sería Sir Jimi Hendrix? ¿O estaría haciendo alguna residencia fuera del Strip de Las Vegas? La buena noticia es que su legado está asegurado como el mejor guitarrista de todos los tiempos."
Por Tom Morello.
Temas claves: "Purple Haze", "Foxy Lady", "The Star-Spangled Banner" y "Hey Joe".
The Star-Spangled Banner - Live at Woodstock - 1969
Foxy Lady
Purple Haze
Hey Joe
BONUS
Voodoo Chile
Fuente: Rolling Stone
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