Nota: Ver la 1ra parte para conocer el panel de los mejores guitarristas y expertos que votaron en esta lista.
3ra Parte - Del #60 al #41
#60
Ron Asheton
"Mi parte son solo unas pocas notas una y otra vez", dijo una vez Iggy Pop sobre la canción de los Stooges, "TV Eye", "pero Ron creó todo un mundo alrededor de eso". En manos de Asheton, en himnos proto-punk como "I Wanna Be Your Dog" y "No Fun", el clásico acorde de barra de tres dígitos se sentía más como un ariete con superpoderes: zumbido, implacable y casi místico. (Asheton, quien murió en 2009, lo llamó "esos tres dedos mágicos"). Puedes escuchar el enfoque salvaje de Asheton en todas las interpretaciones de Kurt Cobain, Thurston Moore y Jack White.
Pistas claves: "No Fun", "TV Eye" y "I Wanna Be Your Dog".
No Fun
Robbie Robertson
Cuando Bob Dylan describió el "sonido de mercurio salvaje" de The Band, en realidad estaba hablando de la guitarra de Robbie Robertson, como lo demuestra su tórrido y estridente solo en "Just Like Tom Thumb's Blues" de su gira de 1966. Pero cuando la banda estaba haciendo sus propios LP, Robertson había reducido su enfoque y se había convertido en un músico de conjunto consumado. "Quería ir en la dirección opuesta", dijo Robertson, "para hacer cosas que fueran de tan buen gusto, discretas y sutiles, como Curtis Mayfield y Steve Cropper... donde todo giraba en torno a la canción".
Pistas claves: "The Shape I'm In" y "Like a Rolling Stone (Live 1966)".
The Shape I'm In
Peter Green
A fines de 1966, Peter Green tuvo el trabajo de reemplazar a Eric Clapton en Bluesbreakers de John Mayall. Mayall le dijo a su productor: "Puede que no sea mejor [que Clapton] ahora. Pero espera... va a ser el mejor". Pronto, el Fleetwood Mac original, se convirtió en el guitarrista de blues más progresivo de Gran Bretaña, con una agresividad inspirada en Chicago, realzada por la aventura melódica en álbumes como "Then Play On" de 1969. Green pronto entró en una era oscura de problemas mentales y de salud, regresando en los años noventa con dones más moderados pero reconocibles.
Pistas claves: "Albatross" y "Rattlesnake Shake".
Albatross
#57
Rory Gallagher
"Me parece un desperdicio trabajar y trabajar durante años", dijo Rory Gallagher a Rolling Stone en 1972, "y simplemente convertirme en una especie de personalidad". En cambio, el guitarrista irlandés, que entonces solo tenía 23 años, se volvió legendario por su ética de giras continuas y su feroz oficio. Tocando una Stratocaster desgastada, a menudo usando una camisa de franela, Gallagher electrificó los estilos Chicago y Delta con un trabajo de hirviente transparencia y una composición dura. Sus admiradores incluían a The Edge y Bob Dylan, a quien inicialmente se le negó la entrada tras bambalinas en un espectáculo de 1978 porque Gallagher no lo reconoció.
Pistas claves: "Bullfrog Blues", "Laundromat" y "Walk on Hot Coals".
Bullfrog Blues
Albert Collins
En 1968, Jimi Hendrix habló sobre su amor por una luminaria del blues de Houston que no era conocida fuera de la región: "Hay un gato que todavía estoy tratando de hacer entender a la gente. Es realmente bueno, uno de los mejores guitarristas del mundo". Albert Collins, que murió de cáncer de pulmón en 1993, tocaba con el pulgar y el índice en lugar de con una púa para poner un chasquido muscular en sus solos agudos y penetrantes. Su interpretación fluida e inventiva influyó en Hendrix, a veces abiertamente: a Jimi le gustó tanto el sostenido de Collins en la canción "Collins Shuffle", que lo usó en "Voodoo Chile".
Pistas claves: "Frosty" y "Sno-Cone Part 1".
Frosty
John Lennon
Cuando el fundador de Rolling Stone, Jann S. Wenner, le preguntó a John Lennon cómo se calificaba a sí mismo como guitarrista, Lennon respondió: "Técnicamente no soy bueno, pero puedo hacer que aúlle y se mueva. Fui guitarrista rítmico. Es un trabajo importante. Puedo hacer una unidad de banda". Lo es, y lo hizo: Lennon fue la bujía y el derramador de sangre de los Beatles, y a menudo agregaba crudeza a las canciones pop vírgenes. Escuche los rasgueos aéreos que impulsan "Help!", el riff circular de "Day Tripper" o la engañosamente descuidada "The Ballad of John and Yoko", donde, con George Harrison fuera de vacaciones, Lennon convirtió rudimentarias líneas principales y rítmicas en magia de dientes afilados. También fue capaz de generar un tono verdaderamente feroz: en el clip promocional en vivo de "Revolution", Lennon hace que su Epiphone Casino de cuerpo hueco chirríe como una cortadora de césped muy enojada. Aún así, no obtuvo su merecido como guitarrista en el apogeo de los Beatles. "Llaman a George el cantante invisible", dijo Lennon. "Soy el guitarrista invisible".
Pistas claves: "Help!", "Day Tripper" y "Yer Blues".
Day Tripper
Joe Walsh
En el poderoso trío de Cleveland, James Gang, Joe Walsh combinó la furia al estilo de los Who con los fuegos artificiales técnicos al estilo de los Yardbirds y el R&B crujiente, especialmente en "Funk #49" de 1970. El humor en la instalación de blues de Walsh salió a relucir en el vuelo de caja de diálogo en su éxito en solitario de 1973, "Rocky Mountain Way". Pero fue cuando se unió a los Eagles en 1975 cuando realmente se colocó en la radio de rock clásico. Walsh aportó un toque de hard rock a las tranquilas canciones pop de los Eagles, creando una serie de licks indestructibles en el proceso: mira su riff entrecortado y gruñido en "Life in the Fast Lane" y su elegante agresión en la sección de duelo de guitarras de "Hotel California." Walsh influyó en el clásico de Who's de 1971, "Who's Next", aunque no tocó una nota en él: le dio a Pete Townshend, como regalo, la guitarra Gretsch Chet Atkins de 1959 que Townshend tocó en todo ese álbum. Townshend luego le devolvió el favor mientras hablaba con Rolling Stone en 1975: "Joe Walsh es un músico fluido e inteligente. No hay muchos así".
Pistas claves: "Rocky Mountain Way" y "Funk #49".
Rocky Mountain Way
Otis Rush
En Chicago, en los años sesenta, "se habían establecido las reglas para las bandas jóvenes de blues blanco", dijo Mike Bloomfield a Rolling Stone en 1968. "Tenías que ser tan bueno como Otis Rush". Eso no fue fácil. Nativo de Mississippi, se mudó a Windy City a fines de los años cuarenta, Rush era un temible guitarrista eléctrico, con un tono agudo y arenoso y un ataque lacerante, como una mezcla de Muddy Waters y B.B. King, así como un compositor deslumbrante. Junto con guitarristas como Magic Sam y Buddy Guy, Rush ayudó a crear el enfoque más moderno e influenciado por el R&B del blues de Chicago, que llegó a ser conocido como West Side Sound. El impacto de Rush en las generaciones posteriores fue enorme: sus sencillos de finales de los cincuenta y principios de los sesenta fueron portadas de Led Zeppelin ("I Can't Quit You Baby"), John Mayall ("All Your Love [I Miss Loving]" ) y J. Geils Band ("Homework"), mientras que Stevie Ray Vaughan nombró a su banda en honor al letal lamento de Rush del '58, "Double Trouble".
Pistas claves: "I Can't Quit You Baby", "Double Trouble" y "Homework".
Double Trouble
Clarence White
Clarence White ayudó a dar forma a dos géneros: su punteo acústico, que se mostró por primera vez cuando era adolescente, cuando él y su hermano formaron la banda Kentucky Colonels, fue clave para hacer de la guitarra un instrumento principal en el bluegrass. Más tarde, preparó el escenario para el country rock y transfirió esa precisión dinámica y simetría melódica a la guitarra eléctrica. Un sesionista top en los años 60s, tocó en el hit de los Byrds de 1968, "Sweetheart of the Rodeo". Después de unirse a la banda más tarde ese año, White trajo una euforia de rock con cuerpo a sus habilidades de Nashville con inflexión de California. "Nunca tocó nada que sonara vagamente débil", dijo el líder de los Byrds, Roger McGuinn. "Él siempre estaba conduciendo... hacia la música". White había regresado al bluegrass con el aclamado álbum "Muleskinner", cuando un conductor ebrio lo mató en 1973. Tenía 29 años. "Clarence estaba inmerso en el hard country y el bluegrass", dijo Dan Auerbach de Black Keys. "Él incorporó esos elementos al rock & roll, y la gente quedó totalmente alucinada".
Pistas claves: "Time Between", "This Wheel's on Fire" y "Chestnut Mare".
Time Between
Johnny Marr
El guitarrista de The Smiths fue un genio de la guitarra de la era post-punk: no un solista ostentoso, sino un técnico que podía sonar como una banda completa. Cuando era un niño que estudiaba discos de Motown, Johnny Marr intentaba reproducir no solo riffs de guitarra, sino también piano y cuerdas, todo con la mano derecha. Sus voluptuosos arpegios, a menudo tocados en una Rickenbacker con un ritmo y un detalle increíbles, eran tan esenciales para el sonido característico de los Smiths como el barítono de Morrissey. Y fue un explorador incansable: para "This Charming Man" de 1983, Marr arrojó cuchillos sobre una Telecaster del 54, un incidente revelador al que Radiohead podría haber estado aludiendo en su "Knives Out", inspirada en los Smiths. "Era un rítmico brillante, rara vez tocaba solos, tan llenos de sonidos", dijo Ed O'Brien de Radiohead, parte de toda una generación de guitarristas británicos que se inspiraron en Marr. "He estado en el estudio con él y no hay nada que no pueda hacer con la guitarra", dijo Noel Gallagher de Oasis. "El hombre es un maldito mago".
Pistas claves: "This Charming Man" y "How Soon Is Now?".
This Charming Man
Ritchie Blackmore
Mejor conocido por el riff gigantesco en el corazón de "Smoke on the Water" de Deep Purple, Ritchie Blackmore ayudó a definir la guitarra de heavy metal al mezclar una composición clásica intrincada con el blues rock crudo. "Encontré el blues demasiado limitante y la música clásica demasiado disciplinada", dijo, "Siempre estuve atrapado en una tierra de nadie musical". Blackmore hizo olas en Machine Head de 1972; sus solos en el boogie rocker "Highway Star" y "Lazy" siguen siendo modelos de pirotecnia de metal. Miró hacia atrás, hacia la música europea antigua con su siguiente banda, Rainbow, incluso aprendiendo violonchelo para escribir "Stargazer" de 1976, y ahora explora la selección de dedos al estilo renacentista con Blackmore's Night. Pero es su trabajo de Deep Purple el que influenció a una generación de aficionados. "Blackmore personificó esta fascinación que tenía con la esencia desnuda del rock & roll, este elemento de peligro", dice Lars Ulrich de Metallica. "Deep Purple, en sus mejores momentos, fueron más impredecibles que Black Sabbath o Led Zeppelin".
Pistas claves: "Smoke on the Water", "Highway Star" y "Speed King".
Smoke on the Water
Muddy Waters
"Muddy estuvo allí al principio, en el Delta, sentado a los pies de Charley Patton and Son House. Era un niño cuando esos tipos estaban en su mejor momento. Luego se electrificó. Había una fisicalidad en la forma en que tocaba la guitarra: percusión, como un tambor. Cuando toca slide, no lo hace en las cuerdas altas. Es más bajo, gutural, y suena como si estuviera a punto de arrancar las cuerdas.
Ya era fanático de Muddy, el Muddy de Chess Records, cuando escuché sus grabaciones de la Biblioteca del Congreso, capturadas por Alan Lomax en 1941 y 1942. Captaron a Muddy tan joven, cuando era un completo desconocido, tal vez cohibido y tímido, escuchando su voz por primera vez. Hay algo vulnerable al respecto, pero también completamente formado. Para los músicos de slide en el Delta, era una cuestión de llamada y respuesta con ellos mismos. El slide tomaría la otra voz, como una voz femenina en un coro. Muddy lo llevó hasta Chicago.
Hay "licks de Muddy", riffs que tocaba sobre cambios que eran únicos para él. Puedes escuchar algunos licks de Muddy en la interpretación de Hendrix. Más tarde, a medida que Muddy se hizo mayor, tocaba la guitarra cada vez menos. Pero cuando saltó, lo sabías. Tenía a Buddy Guy y Jimmy Rogers en sus bandas. Pero cuando tocas con Muddy, no tocas como él, porque esa mierda estaba tapada."
Por Derek Trucks.
Pistas claves: "Rollin' Stone" y "Mannish Boy".
Rollin' Stone
#48
Jonny Greenwood
Radiohead es la banda de rock consumada del siglo XXI, y en Jonny Greenwood, tienen a uno de los guitarristas que definen el siglo XXI: un mago amante de los efectos cuyo estilo infinitamente mutable ha impulsado los viajes inquietos de la banda, desde la pompa interestelar de "The Tourist" al brillo brumoso de "Reckoner". Al igual que The Edge, solo que más lejos en la estratosfera del art-rock, Greenwood es un héroe de la guitarra con poca conexión aparente con el blues y poco interés en los solos. Se sabe que ataca las cuerdas con un arco de violín y toca tan maniáticamente que a veces ha tenido que usar un aparato ortopédico en el brazo. Fueron las ráfagas de ruido chirriante de Greenwood las que marcaron a Radiohead como algo más que otra banda deprimida en "Creep" de 1992, un indicador temprano de su papel crucial en el impulso de su banda. "Lo he admirado durante mucho tiempo", dice el guitarrista de Rush, Alex Lifeson. "La forma en que entrelaza sus partes a través de la melodía de una canción es realmente excepcional, simplemente increíble".
Pistas claves: "Creep", "Paranoid Android" y "My Iron Lung".
Paranoid Android
#47
Stephen Stills
Pistas claves: "Bluebird", "Carry On" y "Go Back Home".
#46
Jerry Garcia
"La mayoría de las personas que tocan blues son muy conservadoras. Se quedan de cierta manera. Jerry García estaba pintando fuera del marco. Tocaba blues pero lo mezclaba con bluegrass y Ravi Shankar. Tenía country y español allí. Había mucho de Chet Atkins en él, subiendo y bajando los trastes*. Pero siempre se podía escuchar un tema en su interpretación. Es como poner cuentas en un hilo, en lugar de tirarlas por la habitación. Jerry tenía un tremendo sentido del propósito. Cuando tomes un solo, decide qué decir, ve allí y dáselo al siguiente chico. Así trabajaba Jerry en los Dead. Jerry era el sol de Grateful Dead: la música que tocaban era como planetas orbitando a su alrededor. No era un tipo superficial en absoluto. Fue muy divertido tocar con él, porque era muy complaciente. El subía y bajaba; iba a la izquierda y a la derecha. Y me di cuenta de que lo disfrutaba, porque los Dead siempre me invitaban a volver."
Por Carlos Santana.
*Un traste es una fina línea de metal (alpaca, acero o níquel) que se encuentra en el diapasón de la guitarra o de la mayoría de los instrumentos de cuerda modernos.
Pistas claves: "Dark Star", "Sugaree" y "Casey Jones".
Dark Star
#45
Link Wray
Cuando Link Wray lanzó el emocionante y ominoso "Rumble" en 1958, se convirtió en uno de los pocos instrumentales que se prohibió en la radio, por temor a que pudiera incitar a la violencia de las pandillas. Al clavar un lápiz en el cono del altavoz de su amplificador, Wray creó el sonido distorsionado y saturado que repercutiría en el metal, el punk y el grunge. Wray, quien orgullosamente reclamó ascendencia india Shawnee y perdió un pulmón a causa de la tuberculosis, era el rudo arquetípico vestido de cuero, y solo los títulos de sus canciones, "Slinky", "The Black Widow", transmiten la fuerza y la amenaza de su forma de tocar. "Estaba jodidamente loco", dijo Dan Auerbach de Black Keys. "Escuchaba 'Some Kinda Nut' una y otra vez. Sonaba como si estuviera estrangulando la guitarra, como si estuviera pidiendo ayuda a gritos". Cuando Wray murió en 2005, Bob Dylan y Bruce Springsteen interpretaron "Rumble" en el escenario como tributo. "Si no hubiera sido por Link Wray y 'Rumble'", dijo Pete Townshend, "nunca hubiera tomado una guitarra".
Pistas claves: "Rumble", "Jack the Ripper" y "Raw-Hide".
Rumble
#44
Mark Knopfler
El primer gran momento de héroe de la guitarra de Mark Knopfler, el solo veloz y gloriosamente melódico del éxito de 1978 de Dire Straits, "Sultans of Swing", llegó en un momento en que el punk parecía estar volviendo obsoleta la idea de un héroe de la guitarra. Y, sin embargo, Knopfler se ganó la reputación de ser un virtuoso intensamente creativo (sin mencionar que fue un gran compositor), demostrando un dominio notable sobre una variedad de tonos y texturas, desde la distorsión retorcida del exitoso sencillo "Money for Nothing", hasta la punzante precisión de "Tunnel of Love". Una clave del estilo característico de Knopfler: tocar sin púa. "Jugar con los dedos", ha dicho, "tiene algo que ver con la inmediatez y el alma". La versatilidad de Knopfler hizo que tuviera mucha demanda para proyectos con artistas como Tina Turner, Eric Clapton y Bob Dylan, quienes llamaron a Knopfler por primera vez para Slow Train Coming de 1979. "Es uno de los grandes guitarristas", dijo el héroe convertido en colaborador de Knopfler, la difunta leyenda del country, Chet Atkins, "Él no piensa eso, pero lo es".
Pistas claves: "Sultans of Swing" y "Romeo and Juliet".
Sultans of Swing
#43
Hubert Sumlin
"Amo a Hubert Sumlin", ha dicho Jimmy Page. "Siempre tocaba lo correcto en el momento correcto". Durante más de dos décadas tocando junto a Howlin' Wolf, Sumlin siempre pareció tener una conexión casi telepática con el legendario cantante de blues, aumentando los gritos feroces de Wolf con líneas de guitarra angulosas y cortantes y riffs perfectamente colocados en canciones tan inmortales como "Wang Dang Doodle", "Back Door Man" y "Killing Floor". Sumlin tuvo tal impacto, de hecho, que el mayor rival de Wolf, Muddy Waters, incluso lo contrató para una temporada en 1956. Sumlin, quien falleció en 2011 a los 80 años, tocó hasta el final, a veces apareciendo en el escenario en la compañía de acólitos como los Rolling Stones, Elvis Costello, Eric Clapton y los Allman Brothers. "Uno trata de contar una historia, cuéntala bien, vive la historia", dijo una vez Sumlin sobre su estilo de guitarra enormemente influyente. "Puede ser un poco más rápido o un poco más elegante, pero depende de si tocas blues o no lo haces".
Pistas claves: "Smokestack Lightning", "Spoonful" y "Killing Floor".
Killing Floor
#42
Mike Bloomfield
"No tuvo la oportunidad de expandir la misión de su alma, pero esos pocos álbumes en los que tocó son suficientes", dice Carlos Santana, refiriéndose a la muerte de Mike Bloomfield en 1981, de una sobredosis de drogas a los 37 años, y las grabaciones clave que dejó Bloomfield. Bloomfield ayudó a Bob Dylan a volverse eléctrico con su trabajo en "Highway 61 Revisited" (esas son las espirales hacia el cielo de Bloomfield en "Like a Rolling Stone") y dos álbumes con Paul Butterfield Blues Band, incluido el monstruo de raga-blues de 1966, "East-West". (Echa un vistazo al solo sinuoso y épico de Bloomfield en la canción que da título a la pista). Nativo de Chicago, Bloomfield estudió de cerca a las leyendas locales del blues eléctrico como Muddy Waters y Howlin' Wolf mientras crecía, y empaquetó esas lecciones en un penetrante tono de agudos limpios y solos que despegaron con éxtasis de jazz modal fluido. "Michael siempre sonaba como un salmón yendo contra la corriente", dice Santana. "Viene de B.B. King. Pero se fue a otro lado".
Pistas claves: "East-West", "Like a Rolling Stone" y "Groovin' Is Easy".
Like a Rolling Stone
#41
Mick Ronson
Fue una colaboración emocionante: el fraseo conciso de Mick Ronson y la distorsión ensartada encendieron la confrontación sexualmente borrosa de David Bowie, durante el papel de rey glamoroso de este último como Ziggy Stardust, a principios de los años setenta. "Mick fue el contraste perfecto para el personaje de Ziggy", dijo Bowie. "Éramos tan buenos como Mick y Keith o Axl y Slash... la personificación de ese dualismo del rock & roll". La histórica asociación en realidad es anterior a Ziggy Stardust, alcanzando su primer pico en el largo furor metálico de la grabación de Bowie de 1970, "The Width of a Circle". El estilo de blues con estilo de Ronson también fue un componente vital en las sesiones de Lou Reed, John Mellencamp y Morrissey, y durante su segunda gran asociación, a finales de los setenta y principios de los ochenta, con el excantante de Mott the Hoople, Ian Hunter. "Quiero que la gente diga: 'Wow, ¿no es genial y no es simple?'", dijo una vez Ronson, quien murió en 1993. "Si te vuelves un poco elegante y desordenado, solo estás desconcertando a la gente de la ciencia".
Pistas claves: "The Width of a Circle" y "Suffragette City".
The Width of a Circle
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