Nota: Ver la 1ra parte para conocer el panel de los mejores guitarristas y expertos que votaron en esta lista.
2da Parte - Del #80 al #61
#80
Buddy Holly
Buddy Holly convirtió a una generación de futuros ídolos (George Harrison, Eric Clapton, Jeff Beck) en la guitarra, con un estilo elemental: una mezcla inquieta de country y blues que fusionaba el ritmo y la iniciativa; compruebe la frase de empujar y provocar en "It's So Easy", que se hace eco en la voz de gruñidos e hipos de Holly. Tocando su Stratocaster y al frente de un cuarteto de doble guitarra, bajo y batería, Holly esencialmente inventó la banda de rock. "Escucha las canciones de los primeros tres álbumes de los Beatles", dice John Mellencamp, "quita sus voces y es Buddy Holly".
Pistas claves: "That'll Be the Day" y "Peggy Sue".
That'll Be the Day
Mike Campbell
El guitarrista principal de Tom Petty durante más de 40 años, Mike Campbell, nunca abarrota una canción con notas cuando dos o tres puntos de mira son suficientes. "Es un desafío hacer esta exposición en un corto período de tiempo", dijo, "pero prefiero ese desafío en lugar de simplemente extenderme". Escuche el gancho esquelético que mantiene unida a "Breakdown" o el solo lacónico que cambia el tono en "You Got Lucky" para comprender el ingenioso uso del espacio negativo por parte de Campbell. "Michael no es alguien para presumir", dijo una vez Petty, "lo que expresa es esencial".
Pistas claves: "Breakdown" y "You Got Lucky".
Breakdown
John Fahey
John Fahey, quien murió en 2001 a los 61 años, fue el maestro excéntrico de la guitarra popular estadounidense, un deslumbrante punteador que transformó las formas tradicionales del blues con las armonías avanzadas de la música clásica moderna y luego extrajo esa belleza con el ingenio de un bromista. "Su música habla de una libertad sin límites", dice el exguitarrista de Captain Beefheart, Gary Lucas. En los años noventa, Fahey cambió a un minimalismo puntilloso en la guitarra eléctrica que lo convirtió en un ícono del post-punk. "Ser validado por John Fahey", dice Thurston Moore, "fue realmente especial para nuestra escena".
Pistas claves: "Poor Boy" y "The Yellow Princess".
Poor Boy
Willie Nelson
Al igual que su canto conversacional, la forma de tocar la guitarra de Willie Nelson es engañosamente relajada, juguetonamente poco convencional y reconocible al instante. Sorprendentemente, Nelson ha estado tocando la misma guitarra clásica Martin M-20, apodada "Trigger", desde 1969; ha definido su sonido, una mezcla punzante de country, blues y el gypsy jazz de Django Reinhardt. Aunque la guitarra ahora tiene un gran agujero, Nelson todavía la toca todas las noches. "He llegado a creer que estábamos destinados el uno al otro", dijo. "Nosotros dos incluso nos parecemos. Los dos estamos bastante maltratados y magullados".
Pistas claves: "Whiskey River" y "Night Life".
Whiskey River
Robby Krieger
Educado en flamenco y jazz, Robby Krieger fue más allá del rock en un momento en que la mayoría de los músicos todavía estaban ligados al blues. En The Doors, tuvo el don de improvisación para seguir los viajes más salvajes de Jim Morrison, escribió algunos de sus mayores éxitos ("Light My Fire") y tomó el relevo en su alineación de teclado, batería y guitarra. "No tener un bajista... me hizo tocar más notas bajas para llenar el fondo", dijo. "No tener un rítmico también me hizo tocar de manera diferente, para completar el sonido. Siempre me sentí como tres jugadores a la vez".
Pistas claves: "Riders on the Storm" y "Roadhouse Blues".
Riders on the Storm
Joni Mitchell
"Lo más fuerte que hice por Joni como productor de Song to a Seagull, de 1968, fue mantener a todos los demás fuera de ese registro. Ella era una folkie que había aprendido a tocar lo que llaman un arreglo indicado, donde eres como una banda en la forma en que te acercas a un acorde y sigues la melodía. Era tan nueva y fresca con la forma en que lo abordaba. Es la razón por la que me enamoré de su música. Era una rítmica fantástica y estaba creciendo muy rápido. Había dominado la idea de que podía afinar la guitarra como quisiera, para obtener otras inversiones de los acordes. Yo también estaba haciendo eso, pero ella fue más allá. Entendí su alegría al usar herramientas más grandes más tarde: bandas de jazz, orquesta. Pero las cosas que hizo que eran básicamente de ella, como "Blue", de 1971, eran sus cosas más fuertes. Combínala con Bob Dylan como poetas, y están en el mismo estadio. Pero ella era una música mucho más sofisticada". Por David Crosby.
Pistas claves: "I Had a King", "Nathan La Franeer", "Night in the City", "Coyote" y "A Case of You".
I Had a King
Dick Dale
"Quería que mi guitarra sonara como la batería de Gene Krupa", dijo Dick Dale, y el estilo de hiperpercusión que inventó para sus maravillas de jukebox, incluido un arreglo mejorado de la antigua melodía griega "Misirlou", fue pionero en el sonido del surf rock. Dale tocó lo más rápido posible, al máximo volumen; Leo Fender una vez intentó diseñar un amplificador que no fuera destruido por el puro volumen de Dale. "Sus arreglos eran realmente complejos, realmente rebeldes", dijo Alex Lifeson de Rush. "Todo era una reverberación de rasgueo staccato, pero con una reverberación que sonaba genial".
Pistas claves: "Misirlou" y "The Peter Gunn Theme".
Misirlou
Kurt Cobain
No era un virtuoso, y ese es el punto: al arrebatarle la guitarra eléctrica a los técnicos trituradores de notas y devolvérsela a los artistas, fanáticos y poetas, Kurt Cobain se convirtió en uno de los músicos más importantes de todos los tiempos. Cobain no inventó el rock alternativo. Pero con su amor por Cheap Trick, los Melvins y Kiss, le dio el poder metálico necesario para conquistar el mundo. Su forma de tocar tampoco fue una borrasca inexperta: vea la progresión de acordes poco convencional y el dominio de la dinámica tranquila-ruidosa-tranquila en "Lithium", y en casi todas las demás canciones de Nirvana.
Pistas claves: "Smells Like Teen Spirit" y "Scentless Apprentice".
Smells Like Teen Spirit
John Frusciante
Los Red Hot Chili Peppers siempre supieron cómo animar una fiesta; fue necesario que John Frusciante los convirtiera en una banda de estadios llenos con un sonido que pudieran llamar propio. Frusciante es un estilista notablemente elástico y un dotado arreglista escultórico, que empujó a los Chilis a explorar nuevos mundos sin interponerse en el camino de su energía funk; reforzó su sonido tanto con fuego bien puesto (el solo volcánico al estilo de Hendrix en “Dani California”), como con una elegancia notable (los indelebles acordes iniciales de “Under the Bridge”).
Pistas claves: “Dani California” y “Under the Bridge”.
Dani California
Robert Johnson
Apenas fue conocido durante décadas después de su muerte en 1938. Pero las 29 canciones que grabó Robert Johnson en 1936 y 1937 se convirtieron en escritura sagrada para los guitarristas de rock, desde Clapton hasta Dylan. Quedaron deslumbrados por la forma en que hizo que una guitarra sonara como un conjunto: partes rítmicas y de diapositivas que aullaban en diálogos, riffs que emergían de la niebla. Dylan recordó tocar "King of the Delta Blues Singers", el LP de 1961 que rescató a Johnson de la oscuridad: "Las vibraciones del altavoz me pusieron los pelos de punta. Los sonidos punzantes... casi podrían romper una ventana".
Pistas claves: "Ramblin' on My Mind" y "Traveling Riverside Blues".
Ramblin' on My Mind
#70
Jack White
Para el cambio de siglo, los grinders de new metal y los laboriosos post-grunge habían dado mala reputación a las estridentes guitarras. Entonces Jack White presionó el botón de reinicio. Con cada riff salvaje, volvió a conectar el hard rock y la música de raíces y demostró que una banda basada en el blues podía escapar de lo que él llama, "la tontería del blues blanco de la Stratocaster que empuja las notas". Y no permitió que sus inclinaciones analógicas le impidieran el uso ingenioso de un pedal DigiTech Whammy: el secreto detrás del trueno de falso bajo de "Seven Nation Army" y los gritos principales de canciones como "Ball and Biscuit".
Pistas claves: "Seven Nation Army" y "Ball and Biscuit".
Seven Nation Army
Richard Thompson
Richard Thompson ha sido uno de los estilistas más deslumbrantes del rock desde sus días con Fairport Convention, una banda británica de folk-rock que viró hacia la música tradicional inglesa. Disparando riffs que afirman la vida en medio de letras que te hacen querer saltar de un puente, combinó un ataque de rock flatpick con un rápido toque de dedos. Sus solos de guitarra eléctrica, menos arraigados en el blues que en la música celta, pueden ser impresionantes, pero su punteo acústico es igual de asesino; nadie sabe cuántas lágrimas han derramado los músicos que intentan tocar "1952 Vincent Black Lightning".
Pistas clave: "Shoot Out the Lights" y "1952 Vincent Black Lightning".
1952 Vincent Black Lightning
#68
John McLaughlin
John McLaughlin fue invitado a grabar con Miles Davis cuando aún tenía veintitantos años, co-criando jazz fusión en "Bitches Brew" y otros LP de Davis. Pero alcanzó el estatus de dios de la guitarra con su propia Mahavishnu Orchestra, donde hizo que su Gibson escupiera fuego como un dragón de muchas cabezas. Un estilista vertiginoso, McLaughlin era incomparable, mezclando técnicas de rock psicodélico, R&B, jazz gitano, flamenco y raga indio. Ese dominio políglota le valió un gran respeto por parte de sus compañeros de jazz y rock: Jeff Beck lo llamó "el mejor guitarrista vivo".
Pistas claves: "Right Off" y "The Noonward Race".
Right Off
#67
T-Bone Walker
Cuando BB King escuchó a T-Bone Walker, dijo: "Pensé que Jesús mismo había regresado a la Tierra tocando la guitarra eléctrica". Walker inventó el solo de guitarra tal como lo conocemos, construyendo un nuevo estilo con frases fluidas, curvas de blues y vibrato. Fue el tono claro y la invención melódica de su sencillo de 1942, "Mean Old World", lo que asombró a todos, y Walker refinó su enfoque a través de éxitos como "Call It Stormy Monday". "Vine a este mundo demasiado pronto", dijo Walker. "Diría que me adelanté unos 30 años a mi época".
Pistas claves: "Call It Stormy Monday", "T-Bone Shuffle" y "Mean Old World".
Call It Stormy Monday
#66
Leslie West
Leslie West (nombre real: Leslie Weinstein) dejó su huella por primera vez a mediados de los 60s, con la sustanciosa versión de The Vagrants, "Respect", de Otis Redding. En 1969, West era la gran venganza del cuarteto inspirado en Cream, Mountain. En canciones como el éxito de 1970, "Mississippi Queen", West tocó líneas de blues ásperas con una engañosa facilidad y un toque de R&B, a través de un bosque negro de distorsión de amplificador acentuado. "Los riffs eran increíbles", dice Dave Davies. "Podía tocar frases llamativas e intrincadas. Tocaba con sentimiento".
Pistas claves: "Mississippi Queen" y "Nantucket Sleighride (To Owen Coffin)".
Mississippi Queen
#65
Slash
Puede que haya pasado gran parte de su mejor momento en Guns n' Roses, sin camisa, borracho y rodeado de serpientes, pero Slash le devolvió el buen gusto y la moderación a la guitarra de hard-rock. "Era un sonido de rock & roll simplificado en comparación con lo que todos los demás estaban haciendo", dice Slash. Podía hacer riffs como Joe Perry y entrelazar Stonesstyle con Izzy Stradlin. Y los solos líricos como la grandeza de la cima de la montaña de "November Rain" se entrelazaron permanentemente en la estructura de las canciones. "Es difícil tocar esos solos de otra manera", dice Slash, "Sonarían mal".
Pistas claves: "Sweet Child O'Mine" y "Welcome to the Jungle".
Sweet Child O'Mine
#64
Duane Eddy
Si quedaba alguna duda a fines de la década de 1950 de que la guitarra, no el saxofón, era el instrumento principal esencial del rock & roll, Duane Eddy resolvió la discusión: vea su sencillo de 1958, "Rebel Rouser", enroscado con acento country y ondulante con trémolo. "Chet Atkins usó el vibrato de manera selectiva; Duane Eddy lo usó para agitar o apalear la música", dice Dave Davies de The Kinks. El impacto de los éxitos de Eddy, como "Forty Miles of Bad Road" y "Peter Gunn", pronto se escucharían en la música surf y en guitarristas como Jeff Beck y George Harrison.
Pistas claves: "Rebel Rouser" y "Peter Gunn".
Rebel Rouser
#63
Johnny Winter
De todos los caucásicos que impulsaron el blues a finales de los años 60s, el albino de Texas, Johnny Winter, era el más blanco y el más rápido. Canciones como su versión de 1969 de "Highway 61 Revisited", son asombrosas obras maestras de su forma de tocar diapositivas eléctricas a la velocidad del rayo. Jimi Hendrix lo buscó como acompañante, y Muddy Waters reconoció su talento a primera vista, convirtiéndose en un amigo y colaborador: "Ese tipo en el escenario, pude verlo de cerca", dijo Waters más tarde. "¡Él toca ocho notas por una mía!"
Pistas clave: "I'm Yours and I'm Hers" y "Fast Life Rider".
I'm Yours and I'm Hers
#62
Robert Fripp
Desde el primer ensayo de King Crimson en 1969, Robert Fripp ha sido su voz instrumental distintiva, una mezcla singular de complejidad distorsionada y sostenido magistral. Esa dualidad se escucha mejor en el álbum de rock progresivo más progresivo que se haya hecho, el clásico de thorny-metal de Crimson de 1973, "Larks’ Tongues in Aspic". La línea de guitarra más famosa de Fripp es el gancho de sirena fuzz en la canción principal de David Bowie, "Heroes". Fripp "comenzaría sin siquiera saber la secuencia de acordes", dijo el productor Brian Eno sobre el trabajo de Fripp.
Pistas claves: “21st Century Schizoid Man” y “Heroes”.
21st Century Schizoid Man
#61
Dickey Betts
"Soy el guitarrista famoso", dijo el difunto Duane Allman, "pero Dickey es el bueno". Los dos pasaron menos de tres años juntos en Allman Brothers Band, pero establecieron una relación épica: tocaron durante mucho tiempo, intercambiaron solos y tocaron sus famosas guitarras gemelas. Después de la muerte de Allman en 1971, el grupo continuó con Betts, anotando "Ramblin' Man" y "Jessica". A pesar de todo su blues y slide chops, sus raíces están en el jazz, y puedes escuchar la influencia de sus solos de modales de tonos limpios, en cada grupo de rock sureño que ha seguido.
Pistas claves: "In Memory of Elizabeth Reed" y "Jessica".
In Memory of Elizabeth Reed
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